jueves, 16 de agosto de 2007

Great Teacher Onizuka

¿Qué sucede cuando un pandillero se propone como meta en la vida llegar a ser el mejor profesor de Japón? esto básicamente es lo que trata de contar GTO (Great Teacher Onizuka), el anime basado en el manga del mismo título de Tôru Fujisawa.

Eikichi Onizuka, el protagonista de este anime, es bruto, malhablado e incluso desagradable, pero decide abandonar su vida como pandillero para convertirse en profesor de instituto. Sus razones son simples: es la mejor manera de conocer y enamorar a jóvenes inteligentes y atractivas.
Con este argumento tan simple da comienzo "GTO", cuya transmisión en la televisión japonesa fue una de las de mayor éxito en la historia de este país. Actuando “en nombre de la justicia”, este rubio tendrá que ganarse a los estudiantes de la clase más temida del instituto y conseguir el respeto del subdirector y el resto de los profesores.
Como la mayoría de las series japonesas de animación, "GTO" nació como manga, para más tarde convertirse en anime. El manga se compone de 25 volúmenes, que no sólo han tenido mucha difusión en Japón, sino también en varios países europeos como Francia y Alemania. La serie de anime está formada por 43 episodios que han sido traducidos al francés, el alemán y el inglés.
La versión anime se mantiene bastante fiel al manga que le dio origen, tanto en el argumento, mitad absurdo, mitad reflexivo y profundo, como en el trazo del dibujo, con personajes de caras expresivas y escenarios llenos de detalles. Un detalle es que el personaje de Onizuka no es nuevo: Tôru Fujisawa ya le había hecho aparecer en otro de sus
mangas, en “Shonan Jun-ai Gumi”. En esta historia, Onizuka y su amigo Ryuyi desarrollaban su papel de delincuentes y pandilleros.
La historia comienza el día en que Eikichi Onizuka decide ser profesor. Su primera entrevista le lleva hasta “El bosque sagrado”, un colegio privado de muy buena reputación y conocido por la calidad de sus profesores. Cuando parece que su entrevista no ha tenido éxito, ocurre algo inesperado: Onizuka se enfrenta al subdirector dejándole inconsciente cuando éste se atreve a llamar “escoria” a sus alumnos. La directora queda tan impresionada que decide contratarlo con la condición de que él se quede a vivir en la escuela.
Poco a poco se va descubriendo que este ex pandillero que roza la ilegalidad y los límites de la violencia tiene un enorme corazón y que todas sus actuaciones giran en torno a la justicia. Onizuka usará su experiencia en la vida callejera para intentar enseñar a sus alumnos y congeniar con sus compañeros de trabajo. Pero esta no va a ser tarea fácil para alguien tan poco ortodoxo como Eikichi: todos los demás profesores (excepto la directora y su admirada Fuyutsuki) estarán en su contra, y lo mismo va a ocurrir con los alumnos de la clase que tiene a Onizuka como tutor. Sin embargo, unos y otros irán descubriendo sus cualidades y aprenderán a apreciarlo.
Eikichi es un pervertido y no se esconde de ello. Totalmente desorganizado y perezoso, que más que enseñar, arma fiestas en el aula, o directamente se pone a insultar a sus alumnos. Su principal problema es que “no piensa las consecuencias de lo que hace”, siempre hace lo que le dicta su corazón, en el momento y lugar que surja.
Muchos al principio salen corriendo al conocerle, demasiado confianzudo e infantil. Además se presenta como “Eikichi Onizuka, 22 años y soltero”, la fachada que cubre su virginidad. Su sueño ha sido convertirse en profesor, no sólo por enseñar sino por ayudar. Piensa dedicarse a ello toda su vida, cueste lo que cueste y demostrarle a todos que realmente es un GTO.
La diversión está garantizada con este anime, además, cada capítulo está invadido de situaciones tensas y difíciles a las que Onizuka consigue dar respuesta de una manera original y divertida. En "GTO" hay lugar para el misterio, los sentimientos, las emociones, pero sobre todo para la risa: Tôru Fujisawa ha logrado conjugar temas serios (como la marginación del estudiante que es “raro”, “distinto” o “poco inteligente”) con guiños humorísticos que hacen de Onizuka un personaje entrañable, con el que es fácil encariñarse.

sábado, 28 de julio de 2007

Cowboy Bebop, I see you in space cowboy...

Cowboy Bebop es un anime dirigido por Shinichiro Watanabe, en el 2001 se convirtió en el primer anime en ser emitido en USA.
La historia se desarrolla en el año 2071, donde se construyen una serie de puertas interestelares a lo largo del sistema solar, facilitando la creación de colonias en otros planetas y el comercio entre ellas. Una de estas puertas, muy cercana a la tierra, sufre cierta inestabilidad que deriva en una explosión de grandes proporciones. Esta explosión destroza la mitad de la luna y arrasa la superficie del planeta Tierra, matando a miles de millones de personas. La mayoría de la población opta por emigrar a colonias en otros planetas. Los habitantes que deciden permanecer en el planeta se ven obligados a vivir bajo tierra.
En este panorama Spike Spiegel y Jet Black son dos cazarrecompensas que se ganan la vida cazando criminales, viajan en una nave llamada Bebop, que se encarga de recorrer el espacio en busca de delincuentes espaciales. Durante la serie, tres nuevos personajes se unirán a la tripulación: Faye Valentine, una mujer con un pasado desconocido incluso por ella, Ed, una niña de increíble habilidad con los aparatos electrónicos y Ein, un perro muy inteligente y fuera de lo común.
Cada capítulo va prácticamente desligado de los otros, aunque todos siguen supuestamente la tímida y casi irrelevante línea argumental. En ellos Spike y compañía irán en busca del villano de turno, con tan mala suerte de que rara vez consiguen su objetivo. Durante sus aventuras se desvela la tortuosa relación entre el protagonista, Spike y su viejo camarada Vicious lo que conduce al desenlace de la serie. La relación de Spike con los demás co-protagonistas, y sus trasfondos se dejan entrever en los capítulos intermedios de la serie.
La serie consta de 26 capítulos y una película: Cowboy Bebop: Knocking on Heaven’s Door, que no sigue la trama de la serie sino que es una aventura intermedia en la línea temporal de la serie.
Cowboy Bebop es una de las mejores series de anime que se han producido hasta ahora. Su mezcla de acción, intriga, amor, misteriosos pasados y su magnífica banda sonora hacen de ella un anime digno de elogio.
Las peleas son a base de puños y patadas, dejando de lado los grandes efectos de otras series. Spike utiliza el estilo de lucha llamado Jet Kun Do. También se pueden encontrar batallas a bordo de naves espaciales, menos espectaculares, pero igualmente divertidas.
El argumento se basa en los pasados desconocidos de los protagonistas, quienes intentan escapar de los recuerdos, aunque inevitablemente los encontrarán en su propio futuro, dando pie a liosos cambios de argumento, que te mantienen en vilo durante toda la serie.
Sin duda, alguien que sepa de anime, una de las cosas que se le vendrán a la cabeza cuando le hablen de Cowboy Bebop es sin duda la banda sonora. Se crearon temas únicos interpretados por Yoko Kanno para cada uno de los episodios, una banda sonora totalmente ecléctica; mezclando blues, Jazz, Rock, Heavy Metal y un sinfín de géneros y que le daba gran parte de la chispa de la vida a la serie. Canciones preciosas como Blue, Rain, Call me o Real Folk Blues que parecen encajar perfectamente en cada momento que suenan.
Este anime es especial, ya que se opto porque los protagonistas fueran personas maduras y no los típicos adolescentes. Esto hacía a los personajes más complejos y
daba la oportunidad de explorar sus oscuros pasados.

viernes, 29 de junio de 2007

Beck

Básicamente Beck nos cuenta la historia de un grupo de jóvenes japoneses que forman un grupo de rock.
Todo empieza cuando un chico de 14 años llamado Koyuki, aburrido de la rutina diaria y queriendo cambiar el rumbo de las cosas pero sin saber cómo, salva a un perro de las bromas de unos niños. Aquí es donde el protagonista conoce a Ryuusuke, el dueño del perro llamado Beck, el chico de 16 años invita a Koyuki a ver un concierto de su banda de rock.
El resultado del concierto es desastroso por culpa de las disputas entre los dos líderes del grupo por lo que deciden separarse. Así empieza una guerra entre los dos líderes por formar el mejor grupo por separado y empiezan a reclutar miembros para las dos bandas. Koyuki al ver ese nuevo ambiente tan diferente a su vida diaria, decide aprender a tocar la guitarra y Ryuusuke le presta una al verlo tan ilusionado.
Al cabo de un tiempo, Koyuki conoce a un compañero de escuela llamado Saku que comparte gustos musicales con él y sabe tocar la batería. Cuando Ryuusuke descubre el talento de los dos compañeros de colegio, los acepta en su banda llamada Beck.
De esta manera empieza una nueva etapa en el grupo con cinco componentes: Ryuusuke, el líder y guitarra, Taira al bajo (ha estado en varios grupos dada su maestría como bajista), Chiba, la voz del grupo (trabaja en un restaurante de ramen y de vez en cuando canta individualmente para entrenarse en competiciones callejeras), Koyuki cantante-guitarra y Saku batería (mejor amigo de Koyuki).
Un factor muy importante en el avance de la serie es la relación entre Koyuki y la hermana de Ryuusuke, Maho Minami, pues esta relación le da mas confianza y soltura al actuar en los conciertos a los cual Maho siempre asiste.
El manga contiene referencias y tributos al rock clásico y a la cultura pop en general. Algunas veces salen conocidas estrellas del rock particularmente caracterizados al estilo manga, en concreto en un sueño que tienen los protagonistas sobre uno de sus conciertos, salen varias leyendas del rock como Eric Clapton, Kurt Cobain, John Lennon y Freddie Mercury llorando mientras ven toda la basura que han dejado tras el concierto.
Muchas veces se hace referencia a grandes músicos, como cuando Ryusuke toca Machine Gun, una canción de Jimi Hendrix que salva su vida cuando un tipo dispara a alguien que estaba cerca de él. También la guitarra de Ryusuke, Lucille, y su historia están basadas en la de la guitarra de B.B. King del mismo nombre.
Este anime consta de 26 capítulos, dirigidos por Osamu Kobayashi y producidos por el estudio Madhouse, el estudio que produjo Card Captor Sakura. Fueron emitidos por primera vez en Octubre del 2004 por la cadena TV Tokyo. El anime de Beck es la adaptación del manga homónimo de Harold Sakuishi publicado en la Weekly Shonen Magazine de Kodansha.
La calidad de la imagen y del sonido son inmejorables. La banda sonora está compuesta por dos OST de puro rock (interpretadas por el grupo Beat Crusaders), pero lo que verdaderamente hace este anime especial es la originalidad de la trama y el carisma de los protagonistas.
Beck nos muestra el esfuerzo y dedicación que hay que tener para triunfar y llegar al escalón más alto de la fama. Sin duda una gran serie con una trama impresionante, y una fantástica banda sonora.
El anime sigue de una forma bastante fiel el argumento del manga hasta el capítulo 30, tomo 10 del manga aproximadamente, a partir de éste, hay que leer el manga para conocer el resto de la historia.

sábado, 16 de junio de 2007

Eureka Seven

No lo pienses, solo hazlo. Consíguelo y tendrás éxito...


Eureka Seven, es una producción de los creadores de Full Metal Alchemist, el estudio BONES (está co-producido por BANDAI), un anime que mezcla elementos dispares con una calidad técnica y artística por encima de la media. Se trata del primer trabajo realizado por el estudio íntegramente, y consta de 50 episodios.

Eureka Seven (E7) cuenta inicialmente la historia de Renton, el hijo de un héroe de guerra en un mundo devastado, controlado por un poder misterioso, y en el que los surfistas se deslizan por el aire gracias a una suerte de maná llamado Trapar. Renton odia su vida cotidiana: su abuelo, el hombre que le ha cuidado desde que su hermana despareció, es un viejo mecánico cascarrabias que quiere evitar que se meta en problemas a toda costa. Sus compañeros de instituto se ríen de él y le toman el pelo, y mas encima no es capaz de surfear.

Renton desea a toda costa ser como Holland, el líder de una banda de surfistas contrabandistas y opositores del gobierno llamado Gekkostate. Renton le adora, le idolatra, cosa que su abuelo, un mecánico obstinado y osco, no consiente demasiado bien.

Pero todo este panorama va a cambiar desde la noche en que una chica preciosa y enigmática llamada Eureka y un mecha blanco llamado Nirvash TypeZERO, aterricen en su casa en busca de ayuda. Desde ese momento Renton deberá elegir entre una vida incómoda y peligrosa a bordo del Gekko-Go (el buque aéreo de Gekkostate) o una vida alejada de los problemas y en el que la U.F. Force, la fuerza del gobierno, no supone un peligro para su vida y la felicidad de los que le rodean.

Renton es el protagonista junto con Eureka y algunos de los integrantes de la tripulación de Gekkostate. Renton es soñador, iluso, crédulo, activo... Y está completamente enamorado de Eureka, algo mayor que él, muy misteriosa, de pocas palabras y responsable de tres niños insoportables que no dejan de hacerle bromas a Renton.

De Gekkostate hay que destacar a Holland y a Tahlo, líder y piloto de la nave respectivamente. Holland es un tipo excéntrico y algo loco, el factor inesperado de una ecuación; desde el primer momento sabemos que estuvo relacionado con el padre de Renton. Tahlo es una antigua subordinada suya, caprichosa y vengativa, pero en el fondo es un ángel, y pese a torturarlo, cuida de Renton como si fuera su hijo; es la actual pareja de Holland, y parece algo celosa de Eureka. El resto de Gekko State son gente de lo más variada: desde una científico de lo más profesional, a un viejo que adivina con las tazas del té, pasando por un hippie y un tipo corpulento con pintas de oficial zarista, todos unidos bajo la insignia de Gekkostate por motivos muy diversos.

Opuesto a Gekkostate son el U.F. Force. De esta facción conocemos a muy poca gente. De los que más sabemos es de Domonic y Anemone, los antagonistas de Renton y Eureka. Dominic es un oficial del ejército a cargo de Anemone. Mantiene con renton una relación de amor y odio muy especial. Anemone es la versión "diabólica" de Eureka, y físicamente se le asemeja mucho. Si Eureka pilota el Nirvash ZERO, Anemone pilota el Nirvash TheEND. Al mando de su grupo, Dewey Novak, un militar cuyo pasado aparece vinculado desde el primer momento al Plan Ageha, a Holland y al padre de Renton, Adrock Thurston.

Y por último, los LFO, unos mechas muy estilizados capaces de volar gracias a una suerte de tabla de skate movida por la energía del Trapar. Para lograr la coordinación entre pilotos y LFO es necesario el uso de un prisma especial; el Compact Drive, que en el caso del Nirvash ZERO se llama Amita Drive.

Al tratarse de una producción de BONES sobre mechas y mezclando géneros, uno no puede si no darse cuenta de las fuentes de las que bebe. Por un lado, la mezcla de estilos y desarrollo recuerda a FMA, por otro, diseño de mechas y temática subyacente tiene una inspiración muy localizable en Neon Genesis Evangelion. Sin embargo, ofrece de por si elementos suficientes para ser original.

Y a nivel técnico es sobresaliente pues el apartado visual (diseño artístico, animación, coloreado), aunque sencillo en apariencia, es de calidad. Y tanto la música como el doblaje son mucho más que dignos. De hecho la Banda Sonora, como conjunto, es de lo mejor que he oído últimamente en un anime. Sigue la estela de FMA y es tan variada en estilos como la propia serie. Y por supuesto, la trama, aunque algo lenta en los capítulos iniciales (donde no pasan de ser pequeñas aventuras para poner las piezas sobre el tablero), promete estar en la más pura línea del estudio en cuanto a complejidad.

lunes, 28 de mayo de 2007

NANA

Nana es un anime que cuenta la historia de dos jóvenes de 20 años con el mismo nombre, pero muy distintas entre si... una es cantante de un grupo punk y la otra una chica normal que sueña con casarse y ser dueña de casa... ambas se conocen en un tren rumbo a Tokio. De aquí en adelante las coincidencias del destino las unirán, y compartirán mas que el departamento...
La historia de desarrolla paralelamente ante estas dos protagonistas que por azar del destino terminan viviendo en la misma casa, además dentro de la historia se encuentran los amigos de Nana Komatsu: Junko y Kyosuke, los integrantes de los Black Stone: Nobu, Shin y Yasu y los miembros de Trapnest: Takumi, Ren, Reira y Naoki.
En si todos los personajes terminan interactuando y algunos terminan en enredadas relaciones amorosas con Nana Komatsu, quien es apodada por Nana Oosaki como: “
Hachi” (nombre de un perro bastante famoso) y esta termina siendo la mascota y parte de los Black Stone como el apoyo emocional, junto con Misato (una fan que sigue a los Black Stone desde sus inicios en su pueblo natal).
Nana es una obra original de Ai Yazawa, la misma creadora de Paradise Kiss y el estudio encargado de pasarlo a anime ha sido Madhouse. Nana se mantiene en una linea adulta y realista, donde nadie es perfecto y donde las emociones de los personajes y su desarrollo es lo fundamental, aquí los errores se pagan caro y todas las acciones tienen consecuencias, como en la vida real. Esa es la principal base de la serie, y donde reside su mayor atractivo entre el público, además de ser una historia que engancha enseguida.
El anime termino de emitirse en Japón en marzo, pero el manga aun no termina y hay posibilidades de que se emita una segunda temporada, ya que la 1º queda inconclusa. Algo resaltable del anime es la banda sonora, los openings y los endings, de los que se encargan Anna Tsuchiya (basándose en Nana Oosaki) y Olivia Lufkin (basándose en Reira, de Trapnest). Los temas son bastante buenos y marcan el carácter de la serie, una cosa fundamental para cualquier serie de calidad que se precie.
Esta es una serie que no se puede pasar por alto, a mi me ha hecho llorar a mares, reírme con algunas situaciones y engancharme por completo… es un anime especialmente echo para mujeres, pero que perfectamente puede disfrutar un hombre...
Para muestra les dejo el 1º opening...

lunes, 21 de mayo de 2007

Un Pequeño Dolor...


A Little Pain
(1º ending de NANA)


Travel to the moon kimi wa nemuri yume o toku
viaja a la luna, duerme y deja que transcurran tus sueños

Darling, mou inai oshida hikari ayatsurinagara
Cariño, estoy aqui ocupandome de tu preciada luz sin ti

tsuyoku naru tame wasureta egao kitto
Sé que para hacerme fuerte contigo, a tu lado,

futari nara torimo dosu
recuperaré esas sonrisas ya olvidadas.

kizuite!
¡Abre los ojos!

I`m here waiting for you
Estoy aquí esperándote.

ima to wa chigau mirai ga attemo
Aunque el futuro traiga muchos cambios.

I`m here waiting for you
Estoy aquí esperándote.

zakeru tsuzukete
¡Sigue trabajando!

kitto kokoro wa tsunaguri no uta ni utteru
Sé que tu corazon toca una cancion que va a unirnos,

ano koro no watashi no tsubasa no youni
como nos juntaron las alas de mi corazón.

No need to cry
No hay por qué llorar.

miércoles, 16 de mayo de 2007

La Historia más Controversial del Anime: La Creación de Robotech

En el otro lado del mundo en Europa Ahmed Agrama trabajaba en una pequeña compañía familiar de distribución de films extranjeros y doblaje, la compañía atravesaba por un buen momento y Agrama decide viajar a los Estados Unidos y tratar de establecer su propia empresa de doblaje; comenzó a trabajar en doblar y vender desde Estados Unidos films de diversa procedencia a mercados de Europa y Latinoamérica. Entre esos films había títulos de anime japonés los cuales se comercializaban bajo el nombre de Harmony Gold USA, logrando así colocar una buena cantidad de anime en el mercado estadonidense y procedente de Toei Animation.
Agrama buscando impulsar sus ventas de anime contacta a una galería de arte que vendía transparencias originales de anime de Tatsunoko Productions cuyo dueño era Carl Macek quien conocía muy bien el anime y su potencialidad como un producto altamente rentable en el mercado norteamericano. El fruto de esa relación fue que ese mismo año Macek se incorporaba a Harmony Gold como productor ejecutivo.
Una vez que inicia su trabajo Macek se enfoca en encontrar una serie de anime que pudiera captar la atención simultáneamente del publico adolescente y el joven adulto. Luego de revisar las opciones de compra que tenía Harmony Gold en ese momento, encontró él título Super Dimensional Fortress Macross.
Agrama y Macek con gran sentido empresarial adquieren el título y comienzan a investigar el mercado al cual se dirigían, pues esta vez querían dar un paso más arriezgado y lograr la transmisión de alguna de sus series, a trasvez de la televisón. Durante este período descubren que la compañía de juguetes Revell vendía en los Estados Unidos model kits de Macross y otras series japonesas bajo un nombre genérico: ROBOTECH.
Entusiasmados por el éxito que tenia Revell con sus juguetes deciden intentar transmitir por Macross por la TV, pero es en ese momento cuando se dan cuenta del verdadero problema: En Estados Unidos las televisoras pedían un mínimo de 65 episodios para transmitir cada uno de ellos de lunes a viernes durante 3 meses. Revell no quería desperdiciar la oportunidad de maximizar sus ventas gracias a una serie de televisión y sugiere a Harmony Gold una alianza comercial para buscar juntos una solución.
Increíblemente Macek sugiere adquirir otras series de la misma productora japonesa y de esa manera poder alcanzar los 65 episodios fusionando Macross con estas series; adquirieron Southern Cross de 23 capítulos y Mospeada de 25, entonces se decide comercializar el producto final bajo el nombre de ROBOTECH.
Cuando llegó el momento de sentarse en el cuarto de edición, después de ver completamente las 3 series, Macek idea rescribir las tres historias de modo que pareciese que ellas continuaban entre sí; se introdujo el termino "protocultura" como una línea de tiempo lógica, altera en gran manera la traducción original, se cambia la musicalización y se crea una única presentación para toda la serie y darle un aspecto unificado. Se renombran todos los personajes de las tres series con nombres norteamericanos, se agrega una voz en off que relata lo ocurrido en cada capítulo y siendo su emisión en horario diurno, se cortaron las escenas de violencia cruda y desnudos.
Este es el punto más controversial de la historia del anime contemporáneo, año tras año ni los críticos especializados, autores originales japoneses, norteamericanos y europeos u otakus del mundo entero, se han puesto de acuerdo sobre si fueron correctos los criterios que se usaron para la creación de esta serie.
Es así como en el mes de Junio de 1985, Harmony Gold había logrado crear una saga épica de 85 capítulos, con una historia impactante llamada ROBOTECH.
El resto es historia ampliamente conocida: Matchbox comineza a vender una línea de juguetes que se vuelve sumamente exitosa, Harmony Gold empieza la distribución de la serie en el ámbito mundial y esta se convierte en un hito en difusión, que los especialistas comparan con el fenómeno Dragon Ball y Sailor Moon.
Tiempo después Harmony Gold decide producir una continuación de la exitosa serie; ROBOTECH II: The Sentinels, la intención era crear 65 capítulos tratando seriamente el tema de la ciencia-ficción y narrando el viaje de la enorme nave, el SDF 1, al planeta de los Amos de la Robotecnia para evitar una nueva confrontación que significaría la aniquilación de la protocultura que aún quedaba. Esta fue una coproducción entre Harmony Gold y Tatsunoko Productions. La expectativa era tal que inclusive se hablaba de hacer una tercera saga llamada ROBOTECH III:The Odissey.
Todo este entusiasmo se vino al suelo por una pésima decisión de Harmony Gold y el infortunio:
- Canon Inc. entra al juego para la producción de una película para las salas de cine; esta vez se probaba otra mezcla: la primera parte de una ova japonesa Megazone 23 con partes de Southern Cross junto a 10 minutos de animación creada para darle integridad a la película. El resultado final fue un metraje de 90 minutos que no generó ningún interés y sí amplias críticas por parte de los fans.
- El infortunio hace lo suyo: se produce un incendio en las instalaciones de Harmony Gold y solo se logra salvar los primeros 3 capítulos, es en este punto cuando la compañía productora de juguetes decide no arriesgarse a sacar una nueva línea basada en estas producciones fracazadas y todo este material se edita en los Estados Unidos como novelas gráficas que tuvieron un éxito moderado; sé creía era la culminación de la saga; una serie de novelas llamadas ROBOTECH: The End Of The Circle.
Cuando se pensaba durante todos estos años que ya no veríamos algo más, en el 20 Aniversario de su creación, Harmony Gold anuncia lo que se considera la secuela más esperada de todos los tiempos... The Shadow Cronicles...

jueves, 10 de mayo de 2007

20 Aniversario de Robotech

En el principio... existía Macross

A principios de la década de los ochenta, Japón empieza a experimentar un boom de series de anime cuyo tema central era la ciencia-ficción; series como Yamato y Gundam no solo se convierten en productos exitosos en el Japón sino que su exhibición fuera de la isla empieza a llamar la atención de las Compañías Japonesas, quienes ven como el interés que generan fuera de su país es lo suficientemente fuerte y estable como para hacerse económicamente rentable.
Es en esta época cuando una de estas compañías: Uizu Corporation le encomienda al joven estudio de animación Nue Films la realización de un proyecto llamado " Battle City Megarodo" donde a grandes rasgos la historia contaría las aventuras de una enorme nave estelar habitada por ciudades de civiles. Para la gente de Nue esto no era nada nuevo; ellos ya habían trabajado en el diseño de naves, personajes y dirección de capítulos de series de anime cuyo tema central era la ciencia-ficción.
La gente de Nue Films diseña el proyecto con muchísima seriedad ya que para ellos el tema de la serie se debía desarrollar de manera sobria, interesante, futurista y épica, esto claramente contrastaba con la idea de Uizu Corporation quienes querían una parodia sobre él genero, esto causaba fricciones entre las dos compañías llegando al extremo en que en febrero de 1981 el proyecto estaba a punto de cancelarse.
Y es increíble que un encuentro fortuito y los problemas económicos crearan el curso de la historia de una de las mejores series de anime japonés de todos los tiempos.
El director del estudio Nue Films Kawamori Shoji decide aceptar la invitación de visitar los Artland Studios, en esa época era común que los directores de los estudios de animación se brindaran visitas reciprocas con el fin de buscar personal que se pudiera intercambiar para así llenar la necesidad que existía en ese momento de animadores de campo calificados.
Durante esta visita Kawamori se encuentra con Mikimoto Haruhiko , un viejo amigo de la secundaria quien tenia una buena reputación como diseñador de personajes femeninos y este le muestra su más reciente idea: una joven china de cara inocente, cantante y juguetona llamada Lynn Minmay . Este diseño le llama tanto la atención a Kawamori que este lo lleva a trabajar con Nue Films y es así como en poco tiempo la colaboración de los dos crea la historia donde en medio de una invasión alienígena a la tierra el tema principal era un triangulo amoroso entre el héroe, la heroína y la joven cantante a bordo de la nave Megarodo.
Debido a problemas financieros Uizu Corporation se declara en quiebra y Kawamori aprovecha la oportunidad comprando los derechos exclusivos de realización de la serie y es aquí donde Nue Films rebautiza a la serie con el nombre: Super Dimensional Fortress Macross, en ese momento nadie podía siquiera considerar la idea que este sería uno de los títulos de anime más importante y conocidos de todos los tiempos.
Lo que quedo de Artland fue absorbida por Nue Films y con gran sentido empresarial Kawamori logra involucrar en el proyecto a Takatoku Toys como patrocinador, Tatsunoko Productions como distribuidora y Anime Friend como co-productora y este fue el inicio... de los problemas.
Inicialmente se intenta trabajar 52 capítulos pero los problemas de producción reduce la cantidad a 39 y luego a 27. Las fechas de estreno previamente anunciadas debieron ser cambiadas una y otra vez y ya en ese momento las 3 compañías involucradas daban clara señal de abandonar el proyecto.
Nuevamente la suerte vuelve a jugar su papel y TV Tokio reclama que ya había anunciado con mucha antelación la serie y no estaba dispuesto a darle nada al público que se había interesado por ella y es gracias a esta presión que el 3 de Octubre de 1982 se emitía en las pantallas japonesas los dos primeros capítulos, cuando solamente había 3 episodios listos.
Es en este momento donde nace una leyenda del anime contemporáneo.
La épica historia de la fortaleza Macross, el triángulo amoroso entre el piloto de guerra Ichijo Hikaru (Rick Hunter), la primera oficial de la nave Macross Hayase Misa (Lisa Hayes) y Minmay Lynn una cantante de jpop, atrapó por completo a los televidentes, la compleja historia sobre la confrontación bélica entre la humanidad y los invasores extraterrestres junto a un diseño impecable de naves de combate basados en tecnología extraterrestre se convirtió en un éxito inmenso.
El diseño de personajes de Mikimoto y los mechas de Kawamori inmediatamente llama la atención de grandes corporaciones siendo Bandai la primera que lanza toda una línea de juguetes sobre la serie.
El éxito de la emisión de la serie y la gran acogida de los juguetes, anima a Nue Films a continuar la historia más allá de los primeros 27 capítulos iniciales.
Se desarrollan 9 capítulos adicionales, el final de la guerra contra los invasores, él triángulo amoroso se cierra y con la evacuación del planeta Tierra totalmente devastado por la guerra; Macross se despide de la tv japonesa el 26 de junio de 1983, luego de 36 capítulos.
Un año después se anuncia por parte del Nue Films la producción de una película animada para cine sobre la serie, generando una expectativa sin precedentes que llevó a grupos enteros de fans a acampar varios días en la puerta de los cines para poder ver el estreno. Macross: Ai Oboete Imasuka (Macross: Te acuerdas del amor?) se estrenó el 21 de julio de 1984 en los cines japoneses convirtiéndose en un enorme éxito y una de las películas más vistas del año. La película duraba 115 minutos con una animación de vanguardia donde se volvía a contar la historia.
Posteriormente 1987 Nue Films decide cerrar él capitulo de Macross con la realización de un video musical llamado Macross: Flashback 2012. Este video duraba 24 minutos y era un concierto de Minmay donde cantaba las canciones más famosas de la serie y se supone que es la despedida de la nave Megarodo 01 (un homenaje al nombre original de Macross) que parte hacía el espacio en busca de otros planetas para habitar como parte del plan de evacuación dé la Tierra.
Continuará...

viernes, 4 de mayo de 2007

Ghost In The Shell

Si alguien necesita prueba de que en Japón se produce la mejor animación del mundo, lo único que necesita es ver "Ghost in the Shell", una excelente película de ciencia ficción que siguiendo el credo de la mayor parte de los creadores orientales, primero consigue una fantástica historia y luego se preocupa por llevarla a la pantalla con un nivel de detalle y cuidado que resulta verdaderamente espectacular.
Mucha gente gusta de la animación japonesa por su estilos visuales, por la curiosa sensibilidad que muestra en el tratamiento de héroes y villanos y desde luego por la inherente y elusiva cualidad "cool" que posee. Con esta ideología en mente, podemos considerar a "Ghost in the Shell" como una gran película de ciencia ficción que para su adaptación a cine utilizó la animación, no como un fin por sí misma, sino para contar adecuadamente la historia.
En Occidente es común que la animación sea considerada exclusiva de los niños y como tal frecuentemente el aspecto narrativo tiende a simplificarse excesivamente, limitando el atractivo de las películas "de caricaturas" y fomentando el prejuicio reinante que invita a menospreciar ese cine por no ser "serio".
Afortunadamente en Japón no existe tal prejuicio, y el feliz resultado son
cintas de gran profundidad e inteligencia, como la venerable "Akira", "Perfect Blue", "Cowboy BeBop", la obra de Hayao Miyazaki (como "Kiki's Delivery Service" y "Princess Mononoke), y desde luego "Ghost in the Shell".
La cinta comienza con un vistazo a un mundo futurista en el que los cyborgs (gente con implantes electrónicos que pueden ir desde extremidades hasta cerebros computarizados) son cosa común, particularmente entre las agencias protectoras de la ley. Un destacado miembro de la fantasmal Sección 9 es la Mayor Kusanagi una agente que salvo su "fantasma" o espíritu es totalmente cibernética.

La Mayor está dudando del sacrificio que hizo al abandonar su cuerpo orgánico a favor de la imparable estructura mecánica computarizada que ahora alberga su alma; tal vez su condición robótica la ha deshumanizado y salvo los pensamientos que flotan en su mente, ella no es más que un objeto de alta tecnología. Pero no hay tiempo de consideraciones filosóficas, porque ella y su equipo de investigadores están tras la pista de un misterioso hacker que se hace llamar Puppet Master, pues sus habilidades son tales que incluso puede penetrar en el cerebro de la gente normal para controlarlos y hacer que lleven a cabo sus planes, como zombies, sin tener conciencia de que están rompiendo la ley. Y claro, cuando la Mayor Kusanagi los captura, resultan ser simples víctimas de Puppet Master, pues frecuentemente sufren de daño cerebral luego del "secuestro" de sus mentes.
Así, l
a investigación poco a poco revela que Puppet Master puede ser algo muy distinto a lo que todos piensan, y eventualmente la Mayor debe poner en peligro su vida y cuestionar sus creencias sobre la existencia del alma y su propia condición humana. Evidentemente esta no es una típica película de acción.
La trama se desarrolla pausadamente y a pesar de la corta duración de la cinta hay mucho lugar para exponer la filosofía de la deshumanización que el tecno-futuro nos depara. Las preguntas clave ¿existe el alma? ¿qué nos define como humanos? no son contestadas; sólo se plantean para que el espectador tome su decisión.

La historia es fascinante, y deja muy muy atrás a la mayor parte de las películas de ciencia ficción contemporáneas, que por lo general se limitan a ser meros ejercicios de acción futurista donde tratan de ocultar una hueca trama con complejos efectos especiales y adornos visuales. E
s por eso doblemente loable que con todo y su fantástico argumento, "Ghost in the Shell" entrega un espectáculo visual a la altura de su historia.
La animación es fluida e impresionantemente detallada; el diseño de producción es sencillamente espectacular. Desde los vehículos hasta las armas; desde el diseño de los personajes hasta los sutiles modos de mostrar la infiltración de la tecnología en todas las áreas de la vida... nada está hecho sólo por lucir el diseño; todo tiene razón de ser y se antoja posible que el futuro sea realmente así, con soluciones tecnológicas prácticas y a la vez vistosas.

La música y en general la pista de audio de "Ghost in the Shell" es también un triunfo; la yuxt
aposición de temas tradicionales japoneses con el high-tech auditivo complementan la acción y reflejan el contraste de temas teológicos milenarios con el futurismo de la película. Como en todo, la atención al detalle no deja de sorprender.
"Ghost in the Shell" es una de mis películas favoritas, que emplea un escenario de Ciencia Ficción para explorar cuestiones que conciernen a la religión, la filosofía y que a la vez hacen eco de la experiencia humana en camino de los prodigios tecnológicos que estamos experimentando y que continuarán en el futuro. Cada quien tendrá su opinión al respecto, pero sea cual sea, esta película expone esas cuestiones con gran fuerza y claridad. Y viviendo en este mundo es algo que a todos nos concierne, sin importar nuestra posición religiosa e ideológica. No hay mejor cine que el que nos pone a pensar, y "Ghost in the Shell" lo logra desde sus primeros momentos hasta su perfecto final.

Sacado de : http://www.cinencanto.com/critic/m_ghostshell.htm
Subí esta review de Ghost in the shell, porque concuerda con la opinión que yo tengo de la película, y estoy corta de tiempo para hacer una yo... jeje...

lunes, 30 de abril de 2007

Makoto Shinkai

Hace unos días, mejor dicho desde el verano... navegando por internet me encontré con un trailer de una película de animación japonesa llamada Byosoku 5 Centimeter, lo baje subtitulado y no pude evitar el enamorarme de la música, la animación y la estética.
Atrapada bajo el encanto de la animación empece a investigar al creador de tal obra de arte, y me tope con Makoto Shinkai, un genio creador independiente apartado de los grandes estudios japoneses como Sunrise, Gainax, Ghibli, Xebec o Gonzo.
Shinkai trabaja de forma "artesanal" ya que el mismo dirige, produce, escribe los guiones y hace las voces de sus personajes.
Comenzó con la producción de animación usando CG a partir de su trabajo en una empresa de videojuegos, iniciando su filmografia con el corto Tooi Sekai en 1997, siguieron Kakomareta Sekai (1998), Kanojo no neko (ella y su gato), Minna no uta egao (2003) y Hoshi no Koe (voces de una estrella distante) en el 2002.
Shinkai se basa en historias de corte romántico con elementos de ciencia ficción, administra correctamente el guion y sus momentos claves, y la ambientación comunica un clima que no es percibido nitidamente por la razón pero si por las emociones.
Para muestra les dejo el trailer del cual me enamore... ojala les guste, y espero que la subtitulen luego...




sábado, 31 de marzo de 2007

La Melancolía de Suzumiya Haruhi

La melancolía de Suzumiya Haruhi trata de la vida de una fan de los fenómenos paranormales llamada Haruhi Suzumiya y de aquellos que quedan atrapados en sus locuras. Aunque Haruhi es el personaje principal, la historia es contada desde el punto de vista de Kyon, uno de sus compañeros de clase.
Kyon es un estudiante de primer año de preparatoria que en el primer día de clases elige hablar con Haruhi Suzumiya, al hacerlo inintencionadamente desata una cadena de eventos que lo llevan a situaciones diferentes al mundo real del que se había convencido era parte.
Buscando un grupo que le interese, Haruhi se une y a la vez renuncia a todos los clubs de la escuela. Kyon hace una observación maliciosa de sus acciones y accidentalmente le da a Haruhi la inspiración de crear un club. Para empezar su club Haruhi recluta a la fuerza a Kyon, quien sólo se queda en el club para proteger a otras víctimas indefensas de los "arrestos voluntarios" de Haruhi. Sin embargo, conforme la historia va progresando es revelado que cada una de estas supuestas "víctimas indefensas" tiene una razón para estar allí.
Así nace la Brigada SOS, con el objetivo de traer emoción a este mundo tan aburrido. De hecho SOS es un acrónimo de “La brigada de Suzumiya Haruhi para animar al mundo”. El club se compone de 5 miembros: Haruhi, Kyon, la estudiosa Nagato Yuki, la encantadora Asahina Mikuru y el misterioso estudiante de intercambio Koizumi Itsuki.
La serie de Suzumiya Haruhi es una colección de novelas light Japonesas escritas por Nagaru Tanigawa e Ilustradas por Noizi Ito, en las cuales se baso el anime, que vio la luz el 2 de Abril del 2006.
Como final, sólo decir que Suzumiya Haruhi no Yuuutsu ha sido catalogada como uno de las mejores animes del 2006. La calidad de la animación es excelente ya que presta una gran atención al detalle, la voz de Kyon esta muy bien caracterizada y tanto el opening y ending gozan de una gran calidad, sobre todo el ending.
P.D.: El orden de los capítulos es confuso. Por alguna razón los creadores de la serie han decidido emitir los capítulos intercalados. El primer capítulo NO es representativo de la serie, véanlo entero.

sábado, 17 de marzo de 2007

Fanáticos chilenos del "animé" se transforman en casta


Tienen entre 15 y 35 años, se comunican a través de internet y organizan singulares veladas para mirar series... o disfrazarse de dibujo animado.
Se conocen entre ellos, son los "otakus".
Ya hay programas de TV y radio dedicados a exhibir programas, música y actividades inspiradas en el animé.
Esta es la historia de un "otaku", que se preparó para ir a un "cosplay", pero al final decidió mejor quedarse haciendo un "manga".
Si la frase anterior le pareció "chino", no se equivoque. En realidad son alusiones la cultura japonesa que hoy comprenden y usan un creciente número de niños y jóvenes chilenos.
La frase significa: "Esta es la historia de un fanático de los dibujos animados japoneses, que se preparó para ir a una fiesta de disfraces, pero al final decidió mejor dibujar un cómic".
Es la influencia "animé" (animación de dibujos japonesa) que acaba de tener un sonado impulso con el estreno de la película chilena "Kiltro". Una historia de amor que se desarrolla en un ambiente de artes marciales, donde la jovencita cultiva un look de caricatura, con maquillaje especial, chapes y blusa estilo marinero (a lo Sailor Moon, si le suena).
Lo que podría parecer sólo una licencia dramática del director, tiene un antecedente directo en la vida real. En Chile hay muchos jóvenes (de 15 a 35 o 40 años, dicen ellos mismos) que disfrutan con todo lo relacionado con la cultura japonesa. Se dan el trabajo de comprar series importadas, traducirlas, aprender a dibujar los característicos monos, cantar en el intrincado idioma y hasta disfrazarse como sus personajes favoritos. 

Director de "Kiltro" habla de un gusto generacional

La historia de los monitos japoneses en Chile podría remontarse a la época de Heidi, la niñita de vestido rojo que correteaba con su abuelo por los Alpes suizos. Pero el primer boom de los realmente "animé" fue en los '80, con algunas series de robots. Luego, a mediados de los '90, tomaron nuevo aliento con series como Los Caballeros del Zodíaco y Dragon Ball Z, que las técnicas de mercadeo convirtieron en álbumes de láminas coleccionables.
Ernesto Díaz, director de Kiltro, señala que le atrae esta temática por "un tema generacional. A principios de los '80, cuando tenía 3 o 4 años daban en Pipiripao mucha animación japonesa - El Grand Prix, El show de los robots, Candy, Tony Bronson- y de ahí me viene el gusto. En cambio, creo que el boom que se ve en las nuevas generaciones está muy relacionado con internet".
- ¿Por qué atraen tanto estos monos japoneses?
- Las temáticas que trabaja el animé llegan mucho más. Y tiene una estética muy placentera, son muy poderosos los colores, la perfección de los dibujos. Es un arte que está directamente relacionado con la cultura pop, de gusto de todos.

Conductora de "Invasión": "No les gusta la masividad"

Nadie puede saber exactamente cuántos "otakus" o fanáticos del animé hay en Chile, pero está claro que tienen presencia en las más diversas ciudades del país, se comunican mucho por internet, suelen tener actividades en centros culturales comunales y han sido escuchados por los medios de comunicación. En el cine arte Alameda hay películas de animación japonesa cada sábado, el Canal etc.TV tiene los derechos de cerca de 15 series; en Chilevisión cada día se emite el programa "Invasión" y en radio Hit, "Resident Hit", que tienen como temática central el animé.
Isabel Fernández,(19) conduce junto a Matías Vega "Invasión", cuyo público objetivo son los niños de 4 a 7 años. Para ellos presentan varias series envasadas japonesas y con sus noteros suelen asistir a los "Expo animé", colsplay (concursos de disfraces) y presentaciones de bandas nacionales con covers de grupos japoneses.
Obviamente los más pequeños no suelen ser otakus, pero muchos se transforman a medida que pasan los años. La animadora señala que "Hay un cierto público muy fanático. Son muy celosos con su música y las series animadas. No les gusta que sean conocidas masivamente e incluso les disgusta si uno menciona mal un nombre. Son muy aficionados a coleccionar todo tipo de cosas de las series, como chapitas, poleras, posters y figuras".
En este programa nació el dúo Kokeshi, que a estas alturas tiene un CD (por supuesto con covers de series animé) y presentaciones hasta en la sala SCD. Lo forman Shuy, de padres taiwaneses, y Paloma. Cantan en japonés y se visten y maquillan en esa onda. Son uno de muchos grupos en la misma línea.

Claudio PSX: "Una persona grande busca temáticas de trasfondo"

Resident Hit lleva más de tres años al aire, ha cambiado varias veces de día y hora de emisión, para quedar finalmente a partir de mayo con emisiones de lunes a jueves cerca de la medianoche y los domingos en la tarde.
Su conductor, Claudio PSX (29), señala que el nuevo horario "es una muestra de lo que está pasando. El público ha ido creciendo con nosotros y los que estaban en Educación Media ahora están en la universidad. Por eso vamos a hacer diariamente un programa más adulto e interactivo, dejando lo más familiar para el fin de semana".
Lo que no cambia es la música de animación japonesa (J-pop o J-rock) tocada por bandas orientales o chilenas, que hay muchas. Al programa no le faltan auspiciadores, como compañías de telefonía móvil o universidades.
Reflexiona Claudio PSX: "La cultura japonesa ha estado presente mucho tiempo en Chile, lo que pasa es que no se sabía. Hay muchas mamás que nos llaman pidiendo temas de Candy (serie de animación antigua) y nos dicen que eran otakus antes que nosotros".
- ¿Cómo se puede entender que haya gente adulta a la cual le gustan los
monos animados?
- Acá en Chile se entiende que el dibujo animado es para niños, pero en Japón es una forma más de expresión audiovisual. La película Kill Bill es para adultos y tiene una secuencia de animación japonesa. El animé es como el cine, así como hay películas para niños, hay para adultos. Una persona grande no ve el animé que dan en la tele, sino que busca un director y temáticas de trasfondo.


Dueños de una tienda virtual

Las películas se pueden comprar en tiendas especializadas de los centros comerciales Portal Lyon, Eurocentro y Las Palmas, entre otros. También en internet, a empresas chilenas. Hace seis años tres estudiantes de ingeniería de la Universidad de Chile comenzaron con "Kna21". A estas alturas ya están recibidos y trabajando en campos bien formales, pero continúan vinculados a su tienda virtual.
Marcela Ponce relata que "a los tres nos gustaba la animación, empezamos a buscar artículos y descubrimos que no había nadie dedicado al tema, pero sí mucha piratería. Ahí decidimos empezar a importar productos originales. Tenemos nuestro público fiel y hasta el año pasado íbamos a eventos, apoyábamos a grupos de Valparaíso, Viña, Concepción, Antofagasta, Temuco, Valdivia... todo Chile, difundiéndolos en nuestra página y contactándolos entre ellos. Ahora no lo hacemos por tiempo, los tres trabajamos en distintos lugares".
A su juicio, el fenómeno se explica por la temática del animé. "Es muy distinta al dibujo americano, que está enfocado al héroe que salva al mundo. En la animación japonesa son cosas más cotidianas, amores adolescentes, problemas familiares, que a los jóvenes les llegan más. Los cabros empiezan a interesarse a los 12 o 13 años, y siguen hasta los 30 o 35. Es un género nuevo que interesa a distintos tipos de público, porque la animación japonesa está enfocada a hombres, mujeres, niños, adultos, incluso hay temática homosexual".

Ingeniería en la U.: exhibiciones cada viernes

Francisco Acuña está en Cuarto año de Ingeniería Civil en Computación, en la Chile. Empezó a ser fanático cuando estaba en Segundo Medio, "cuando descubrí en el animé cosas que no se ven en la vida cotidiana, como las decisiones que toman sus personajes, las ambientaciones, las temáticas..."
Ahora junto a otros otakus de Ingeniería mantiene una página web y además cada viernes realizan funciones de series animadas japonesas para público en general en el auditorium de la facultad. Gran esfuerzo, porque deben comprar DVD en el extranjero y luego traducirlas a pulso para ponerles subtítulos en español. "Todo el grupo tiene un mínimo de japonés y conocemos inglés en 100%, porque la mayoría viene en ese idioma".
- ¿Cómo funciona el grupo?
- Bordeamos los 20 integrantes y somos todos amigos, yo soy el que da la cara. El grupo existe desde 1998, yo me integré y continúo el legado.
-¿Cuáles son las series en auge en este minuto?
-En Japón salen series todos los meses y es difícil seguirles el rastro a todas. Pero claramente las que están más en auge en los ciclos que se hacen en Santiago y regiones no son las que hoy se ven en la televisión. Son mundos totalmente distintos. Recién Chilevisión y Etc. TV han estado poniendo un poco más de énfasis, porque saben que el mercado es grande.

En el Planetario se hacen las "Otaku Usach"

Rubén Dinamarca tiene 21 años y estudia Traducción inglés-japonés en la Universidad de Santiago. Desde la enseñanza media es un otaku y por eso cuando llegó a la Usach de inmediato se integró al grupo de fanáticos. Es uno de los organizadores de las "Otaku Usach", fiestas que se realizan periódicamente en el Planetario de esa casa de estudios y cuya versión más reciente fue el sábado recién pasado, extendiéndose hasta la mañana del domingo. Llegaron unas mil personas.
Este fenómeno tiene tantos adeptos, señala, porque "la animación japonesa transmite valores como lealtad, amistad, perseverancia. Por ejemplo, los eventos que organizamos periódicamente desde el 2004 concluyen en una gran Otakutón, que se realiza el mismo día de la Teletón. Además el animé tiene series para los más diversos intereses y uno puede seguir siendo Otaku a medida que avanza en las edades.
- ¿Hasta cuándo vas a serlo tú?
- Yo voy a seguir hasta que muera. Fácilmente voy a estar en los eventos a los 40 años junto a mis hijos.

Publicado por La Segunda en diciembre de 2006

domingo, 11 de marzo de 2007

Death Note: ¿Que harias si tuvieras el poder de matar??

La historia nos narra la vida de un joven llamado Yagami Light, que un día encuentra un cuaderno de notas llamado Death Note (cuaderno de la muerte), él tiene el mejor promedio de su escuela, y se destaca por su inteligencia. En el cuaderno dice que si escribe el nombre de una persona, ésta morirá de un ataque al corazón a los 40 segundos. Al leerlo, Light piensa que se trata de una clase de broma y decide probarlo con un criminal de la televisión (el cuaderno también requería saber la cara de la persona y su nombre verdadero completo), y funciona efectivamente.

Light decide usar el cuaderno para matar a todos los criminales del mundo que merezcan morir, haciendo del mundo un lugar mejor, y adopta el nombre de "Kira".

El padre de Light es el vicepresidente de la fuerza nacional de Policía de Japón. Como la policía no puede hacer mucho, un detective (que iguala las capacidades mentales de Light para deducir y planear) bajo el nombre de "L" decide ayudar a la policía. Pero su identidad es mantenida oculta.

Desde aquí en adelante comienza una batalla de mentes entre la inteligencia criminal de Light y la perspicacia de L, que hace un par de semanas concluyo en Japón con el fin del manga, pero que todavía no se termina en el anime, que va en el capitulo 21.

Death Note es un manga de estilo novela policial, creado por Takeshi Obata junto a Tsugumi Oba. Publicado por la revista semanal Shonen Jump. Fue publicado en 108 capítulos semanales, formando un total de 12 volúmenes. Se ha adaptado en dos películas live action y una serie anime.

El dibujo es de buena calidad y la historia tiene un toque misterioso, mezclando lo sobrenatural con la novela policíaca. Recomendable para personas con un criterio formado y a quienes les guste el anime de estilo oscuro como Hellsing y Gantz.

domingo, 28 de enero de 2007

¿Eres un otaku de verdad?

¿Piensas que eres un otaku? si reúnes estas características (o casi todas)
1. Querer crear su propia serie o continuar alguna que le gusta.
2. En las convenciones de comics y anime, irradia tanta felicidad que se cree que en el cielo.
3. A tenido la loca idea de aprender japonés para escribirle a los autores de las series o para leer mangas originales.
4. Despierta a sus vecinos con música de Doremi, Pokemon (o su serie)a las 3 de la mañana.
5. Ha llorado alguna vez por su anime preferido.
6. Tiene en su cuarto más chunches de monitos, pósters, videos, mangas y revistas que libros y ropa, parece altar al anime.
7. Ha querido golpear o ha golpeado a alguien que critica su anime preferido.
8. Sueña que es alguno de sus héroes o que los acompaña en sus aventuras.
9. Escucha pura música de Anime, a tal grado de casi olvidar que existen otros géneros.
10. Prefiere pasar horas en su casa aprovechando su afición que salir con sus amigos o familia, pero si es a comprar un nuevo capitulo de su serie, es el primero en salir despedido de su casa.
11. Tiene una mascota con nombre de algún personaje o lugar de anime, o inclusive le pone a su hija marina o Marín.....
12. Su computadora siempre tiene de wallpapers o protector de pantalla, personajes de algún anime.
13. En Internet, se la pasa buscando imágenes, videos y música de su serie predilecta.
14. Su dirección de correo electrónico y Messenger, tiene algo que ver con el anime
15. Su celular suena con el opening de los caballeros del zodiaco... (U otra serie)....
16. Sus papas o alguien lo ha criticado alguna vez por comprar tanto pin#$7 monito.
17. Ha participado en el costplay (a veces siendo la sailor scaout más morena que existe).
18. Se ha enamorado de algún personaje, aun sin admitirlo, queriendo que en verdad exista (ejemplos, trunks, vegeta, candy, camus, mu, serena, sakura-chiquita pero tierna).
19. Hace páginas Web personales dedicadas a su serie.
20. Crea fanfics o dibujos de su anime predilecto, o ambas, creando historias de amor entre personajes que ni en cuenta o nada que ver (yo cree uno de trunks con kikyo).
21. Se pone a pensar a que personaje del anime se parece. Yo
22. Ha pensado mas de una vez poner un negocio de anime.
23. Grita de emoción en los duelos de cartas (verdad Yugi oh).
24. Se cree el fan numero uno de su serie preferida.
25. Se pasa horas pensando porque rayos inuyasha no se cambia de ropa nunca (ni los caballeros del zodiaco, ni los personajes de DNA2, mejor ya ni le sigo).
26. Ha echo berrinche cuando pasa algo en el anime que no le gusta.
27. Cuida sus mangas (colección) mas que las fotos de su novia (o) o esposa (o).
28. Se pasa leyendo cosas de como es un otaku en Internet y revistas.
1 a 5 respuestas correctas: Persona con una vida
6 a 10 respuestas correctas: El Anime entro a tu vida
10 a 20 respuestas correctas: Otaku
20 a 28 respuestas correctas: Rayado, friky

viernes, 5 de enero de 2007

ZEN

La historia del Zen comienza en la India. En la época del Buda, el yoga como práctica de concentración del espíritu estaba ampliamente extendido. En su naturaleza, el yoga va destinado a concentrar el espíritu en un solo punto: la realización de la serenidad a través de la meditación en posición sedente. En realidad, los métodos del yoga se reducían en esta época a privaciones de alimento, ayunos, a ciertos votos como por ejemplo permanecer largo tiempo de pie sobre una sola pierna.

A través de esta ascesis y de toda una serie de ejercicios, el yogui se entrenaba a la indiferencia ante los estímulos del exterior y al control del menor movimiento de su propio espíritu. El Buda practicó este yoga durante doce años desde el momento en el que decidió renunciar al mundo. Visitó a los santos y se entrevistó con grandes eruditos, recorriendo los cuatro rincones del país. Pero, en definitiva, el Buda no consiguió a través del yoga encontrar respuesta a dos preguntas esenciales: ¿Qué es el hombre? ¿Cómo debe vivir el hombre?

Buda abandonó el ascetismo, se sentó tranquilamente, cruzó las piernas, se concentró en su postura.y en su respiración. Durante el amanecer del octavo día de zazen alcanzó un nivel superior de conciencia al ver el resplandor de una estrella. Se convirtió en Buda, aquel que se ha iluminado, el que se ha despertado. Buda encontró su verdadera naturaleza en el universo y una regla de existencia para todos los hombres. El Zen fue introducido en China por Bodhidharma, maestro que representaba la vigésimo octava generación de discípulos del Buda. China estaba dividida en esta época en estados rivales. El desorden reinaba por todas partes debido al desgarro que producía la lucha por el poder. El país se encontraba sometido a los tiranos y ensangrentado por las rebeliones. La dinastía de los Liang reinaba sobre uno de los estados de la antigua China. El emperador Wu-Ti, jefe de esta dinastía, budista ardiente, oyó hablar de Bodhidharma y le recibió en su palacio. A la pregunta de Wu-Ti: "¿Cuál es el principio fundamental del Budismo?" Bodhidharma respondió: "Un vacío inmenso. Un cielo claro. Un cielo en el que no se distinguen los iluminados de los ignorantes.El mundo mismo tal y como es".

Wu-Ti, a pesar de que era un budista ferviente, no comprendió el mensaje de Bodhidharma y este ultimo supo que la hora de difundir el Zen en China no había llegado aun, por lo cual cruzó el río Yang-Tse y se retiro en las montañas septentrionales, en el Templo Shorin. En Japón sólo las escuelas Rinzai y Soto alcanzaron una implantación importante, la primera debido a Eisai y la segunda a Dogen y Keizan. La tradición Rinzai esta basada en una disciplina estricta destinada a desarticular las creaciones mentales. El Koan o pregunta enigmática de difícil resolución adquiere una gran importancia y su resolución, mas allá del intelecto, conduce a la experiencia del Satori y Despertar. La Tradición Soto quiere antes que nada concentrarse sobre la Vía del Buda, es decir, seguir la vida cotidiana del Buda, avanzando continuamente en la realización gracias a la práctica diaria, sin esperar nada especial. La esencia del Soto es Shikantaza, sentarse, solamente sentarse. Con el Maestro Dôgen (1200-1254) la tradición Soto y la esencia misma del Budismo alcanzan un grado de madurez y precisión difícil de encontrar en otras épocas. Su obra maestra, el Shôbogenzo es una pieza imprescindible para comprender el Budismo y la esencia de toda la civilización oriental.

El Zen ha ejercido una influencia profunda en la vida cotidiana del pueblo japonés. Esta influencia puede apreciarse en cualquier aspecto de la vida japonesa: alimentación, vestidos, pintura, caligrafía, arquitectura, teatro, música, jardinería, decoración, etc.

Aun hoy día, a pesar de que muchos japoneses no saben qué es el Zen, en sus comportamientos y manifestaciones puede verse la impronta dejada en el alma japonesa por esta enseñanza.